Actu musique

29 septembre 2016

Comment l’electrosound est passé du lab au dancefloor

Derrick May, Festival Weather Winter -� Jacob Khrist

En cet après-midi de fin septembre, une foule peu commune, pour un lieu d’art contemporain, déambule dans l’espace de la fondation EDF. Collégiens, lycéens, étudiants et même des enfants de 8-10 ans. Si certains sont probablement en sortie de classe, la plupart sont ici de leur plain gré. Il faut dire que le sujet de l’expo a de quoi intéresser la nouvelle génération: selon une enquête de France Musique, la musique électronique est devenue le genre musical le plus écouté des 15- 24 ans. Une popularité liée à la révolution du numérique certes, mais aussi à la facilité d’accès et de création désormais, avec tout type d’engin électronique, à commencer par le téléphone portable.

Pierre HENRY au studio du GRMC 1951 photo Pierre Lido -�ina

Pierre HENRY au studio du GRMC 1951 photo Pierre Lido -�ina

«Ce mec devait se demander à l’époque : est-ce qu’un jour on se souviendra de moi ? » s’amuse une adolescente qui observe une ondioline cet instrument en bois, à clavier, inventé en 1940 en France, qui utilise un système de tube à vide, nous dit le cartel. L’exposition est passionnante, qui fait découvrir ces instruments extraordinaires, la plupart d’entre eux disparus de la circulation ou oubliés car obsolètes, à la fois bijoux de technologie, de lutherie, d’innovation et d’inventivité. Exposées ici comme des œuvres d’art à part entière, ces machines façonnèrent l’histoire du genre pour se confondre au fur et à mesure avec la musique elle-même, reprenant le rêve technologique de Marshall Mc Luhan, le medium est le message. Des fondations, le Thérémine inventé par le russe Lev Termen en 1920, instrument à vent permettant, en bougeant ses mains, de jouer avec l’air comme s’il s’agissait des cordes d’une harpe, jusqu’à la révolution contemporaine du home-studio en passant par le Atari ST des années quatre vingt qui proposa les premiers logiciels de MAO Musique Assistée par Ordinateur, c’est toute l’histoire d’un mouvement, avec ses schisme et son esthétique, qui est ici retracée. Une formidable aventure humaine, technologique et musicale où prédominent les principes d’audace, de créativité et de fun, car il s’est toujours s’agit, avant tout, de s’amuser (et de danser). Certes les pionniers visionnaires en costume-cravate ont des regards sérieux, mais de leurs photos se transmet ce « plaisir de laboratoire », comme le dit joliment l’un des commissaires de l’exposition, Jean -Yves Leloup. Des groupes les plus connus aux défricheurs oubliés par l’Histoire, les principaux acteurs de cette révolution toujours en marche ponctuent le parcours. On comprend ainsi comment cette musique, d’abord savante et expérimentale, a pénétré peu à peu la culture populaire jusqu’aux quidams mixant désormais sur leurs portables des sons qu’ils téléchargent sur des groupes Facebook. Au sol, une frise historique rappelle, année par année, les événements qui jalonnent cette histoire, dressant un parallèle entre les engins électroniques exposés et ce qui se passe dans la culture mainstream. Car l’un influe sur l’autre, la musique captant le zeitgeist de son époque, les révolutions technologiques influençant, en échange, celle-ci.

Synthetiseur EMS Synthi

Synthetiseur EMS Synthi

Au premier étage, dans un espace intitulé « Atelier », on peut expérimenter soi-même les instruments phares de l’électro– synthétiseur, séquenceur, vocodeur. Certains pianotent sur un Mini-Moog de 1972, d’autres s’éclatent sur une boite à rythmes TR808 de 1984. D’autres encore se sont emparés du Collective Loop, une forme de séquenceur circulaire auquel on peut jouer avec son I-phone. Une gigantesque salle de jeu où l’on redevient un enfant, ébahi face aux machines, robots accessibles et sensuelles, expérience presque magique qui donne envie de s’y mettre, de bricoler, d’inventer des sons. Au sous-sol, une chambre obscure reproduit l’atmosphère du club – amplis de toutes tailles au mur, boule disco au dessus de la tête, et une grande platine devant soi. Turntabling et V-Jing sur 33 tour : chacun est invité, d’un coup de main, à faire apparaître l’un des clips d’une centaine de noms de référence du mouvement. L’exposition se clôt en beauté avec les photos de Jacob Khrist, qui documente depuis six ans cette scène festive électro parisienne en pleine effervescence. On pénètre avec lui dans ces lieux industriels, usines désaffectées, interzones, squats, etc. « En quête de sons » s’intitule ce travail remarquable, d’autant plus frappant qu’on le découvre en silence. Des clichés d’anonymes s’oubliant au rythme de la musique, les yeux fermés, en communion avec le DJ, insouciants de leur apparence. Mouvements de corps, cannettes de bière, sourires ; joie, ferveur, charme brut d’une jeunesse résolument acquise à la cause de l’électro. Impression de replonger dans l’atmosphère unique des premières raves des nineties, comme si rien n’avait (trop) changé. La jeunesse ne vieillit pas, comme la musique qu’elle écoute : elle se métamorphose. La boucle est bouclée.

Kenny Larkin, festival Weather Winter -� Jacob

Kenny Larkin, festival Weather Winter -� Jacob

Si l’exposition se termine dans quelques jours, deux livres viennent compléter la réflexion, et l’expérience. Electrosound d’abord, le catalogue de l’expo ouvrage aussi instructif qu’accessible sur le thème. Et, dans un autre registre, la bande dessinée culte Le chant de la machine, de David Blot et Mathias Cousin. Initialement publié en 2000, cette réédition replonge, dans un style délicieusement old school à la Robert Crumb, aux tous débuts de l’aventure à laquelle participa activement David, pilier de radio Nova et initiateur, avec d’autres, des mythiques soirées Respect du Queen en 1996. Ce n’est pas pour rien que les Daft Punk lui rendent hommage, en préface de l’album. A noter enfin : un programme spécial Nuit Blanche ce samedi à l’espace Fondation EDF (plus d’infos dessous).

Yann Perreau

 Electrosound – du lab au dancefloor, Espace fondation EDF jusqu’au 2 octobre. 6 rue Récamier 75007 PARIS

Electrosound, ouvrage collectif sous la direction de Jean-Yves Leloup, éditions Le mot et le reste, Fondation EDF, 21 euros, 210 pages.

 Le chant de la machine, de David Blot et Mathias Cousin, éditions Allia, octobre 2016, 20 euros, 224 pages

Nuit Blanche à l’espace Fondation EDF

http://fondation.edf.com/espace-fondation-edf/nos-expositions/electrosound-autour-de-l-exposition-557.html

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Robbie Williams grand seigneur : Sa femme Ayda enfin autorisée à faire carrière

Robbie Williams grand seigneur : Sa femme Ayda enfin autorisée à faire carrièreJusqu'à présent, le chanteur avait besoin de sa femme à ses côtés.

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VIDEO. Benedict Cumberbatch se prend pour un Pink Floyd

VIDEO. Benedict Cumberbatch se prend pour un Pink FloydMUSIQUE - L'acteur a chanté à Londres aux côtés de David Gilmour…

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Découvrez pourquoi M. Pokora a demandé à ne pas concourir aux NRJ Music Awards

Découvrez pourquoi M. Pokora a demandé à ne pas concourir aux NRJ Music AwardsScandale aux dernières nominations des NRJ Music Awards : M. Pokora n’apparaît pas dans la liste des artistes sélectionnés. Le chanteur vient de révéler qu’il avait demandé à ne pas être nommé et explique son choix.

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Le rappeur Rohff en garde à vue pour violences conjugales

Le rappeur Rohff en garde à vue pour violences conjugalesVIDÉO - Le chanteur a été placé en garde à vue par les forces de l'ordre, ce mercredi 28 septembre. Sa femme avait porté plainte contre lui en livrant le récit terrifiant des violences qu'il lui aurait fait subir.

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Un rappeur contre qui Cazeneuve avait porté plainte serait en garde à vue

Un rappeur contre qui Cazeneuve avait porté plainte serait en garde à vuePOLICE – Le rappeur Jo Le Pheno a été placé en garde à vue jeudi 29 septembre dans les locaux de la Brigade de Répression de la Délinquance contre la Personne (BRDP), selon des sources policières contactées par les journalistes de LCI. Il avait notamment fait l'objet d'une plainte du ministre de l'Intérieur Bernard Cazeneuve pour son morceau Bavure, accusé d'inciter à la haine "anti-flic". Pour le moment, aucun lien n'est fait entre la garde à vue actuelle du rappeur et la plainte de Bernard Cazeneuve, déposée le 16 septembre.…

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Goat nous rend fou avec son tout nouveau “Requiem”

Au nord-ouest de la Suède, dans le petit village de Korpilombolo, il se pratique depuis le début de la décennie d’étranges rituels qui nous font fantasmer cet endroit comme le théâtre d’un remake de The Wicker Man à la mode scandinave. Au sein de cette communauté repliée et farouche s’agite un groupe d’hommes et de femmes grimés en sorciers vaudous, praticiens d’un néopaganisme musical fascinant sous le nom de Goat, dont le psychédélisme globalisé et un peu effrayant a déjà frappé par deux fois.

Après les inusables World Music (2012) et Commune (2014), on attendait donc ce nouveau Requiem comme le prolongement d’une formule secrète à base de philtres rock lysergiques, d’improvisations martiales à la Can et d’ingrédients instrumentaux venus d’Afrique, d’Inde et d’Orient. C’est partiellement le cas, puisque Goat a choisi cette fois de creuser encore plus profond ses racines folk, dont certaines sont si tentaculaires qu’elles traversent la Terre de part en part.

Quasiment dépourvu d’électricité, ce troisième album en est aussi de frontières, radicalisant encore un peu plus le propos d’un groupe qui n’obéit en rien aux règles communes. La fantaisie de flûtiaux qui accompagne les voix atonales de Union of Sun and Moon donne le ton : Requiem sera une messe joyeuse de la lumière et des ténèbres, un tableau de Jérôme Bosch fabriqué avec du raphia, une orgie pastorale de vikings et de louves au son des tambours et des chants d’oiseaux. L’hypnose garantie de Temple Rhythms doit ainsi autant à Moondog qu’à n’importe quel orchestre de kermesse du Kurdistan, quand les voix exaltées de Trouble in the Streets pourraient appartenir à un girl-band canaille de Bamako.

La légende de Goat prétend que des musiciens de toutes obédiences officient sous ce nom depuis des siècles et que l’émanation actuelle n’est que le produit d’une vaste tradition hybride. Le groupe aime le pipeau, il en colle partout, dans sa biographie comme sur ses disques. Il n’en reste pas moins que cette foisonnante célébration naturaliste, frappée par endroits par la foudre et souvent par la grâce, demeure toujours aussi merveilleusement attachante.

concert le 14 octobre à Paris (Cabaret Sauvage)

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M Pokora boycotté par les NRJ Music Awards ? Le chanteur s'explique

M Pokora boycotté par les NRJ Music Awards ? Le chanteur s'expliqueAbsent des nominations cette année, M Pokora a-t-il été boycotté par les NRJ Music Awards ? Face aux messages de ses fans, le chanteur a préféré éteindre les rumeurs en expliquant son absence… tout en faisant une révélation surprenante.

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Le sombre clip "Starboy" de The Weeknd ft Daft Punk

Le sombre clip "Starboy" de The Weeknd ft Daft PunkMUSIQUE - Le 22 septembre dernier The Weeknd et les Daft Punk dévoilaient un nouveau morceau "Starboy" . La nuit dernière le chanteur canadiende 26 ans a mis en ligne le clip de leur collaboration. L'ambiance y est sombre, The Wekknd est étouffé ligoté sur une chaise par une autre version de lui-même. Le chanteur s'y balade de manière nonchalante avec un crucifix rose qui lui permet de détruire son loft dans lequel se trouve toutes les récompenses acquises jusqu'ici. On y devine une l'image d'une résurrection du chanteur.…

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Pourquoi Matt Pokora refuse d'être nommé aux NRJ Music Awards 2016 

Pourquoi Matt Pokora refuse d'être nommé aux NRJ Music Awards 2016 Matt Pokora n'a pas souhaité être nommé aux NRJ Music Awards cette année. Devant l'interrogation de ses fans, il a expliqué pourquoi.

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Renaud se lance dans une tournée marathon

Renaud se lance dans une tournée marathonBientôt 10 ans que les fans du chanteur espéraient son retour sur scène. Coup d'envoi de sa série de concerts à Évry, en région parisienne, samedi 1er octobre.

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"Les Dix Commandements" revisite "L'envie d'aimer" : écoutez la nouvelle version !

"Les Dix Commandements" revisite "L'envie d'aimer" : écoutez la nouvelle version !Après avoir fait vibrer 1,8 million de spectateurs en France, la comédie musicale "Les Dix Commandements" sera de retour le 17 novembre à Paris, avant une grande tournée. Ecoutez la nouvelle version du tube "L'envie d'aimer" sur Pure Charts !

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The XX de retour sur scène en 2017

Après trois ans d’absence, le trio britannique vient d’annoncer trois nouveaux concerts dans le cadre du festival itinérant Lollapalooza au Brésil, en Argentine et au Chili. Leur dernière apparition remonte à novembre 2014, au musée Guggenheim de New-York.

Que s’est-il passé depuis?

Leurs morceaux ont inondé les émissions les plus pénibles de la TNT, la chanteuse Romy Madley Croft a co-écrit un morceau pour Jessie Ware, le bassiste Oliver Sim est devenu égérie Dior, le trio a arboré les couleurs de l’arc-en-ciel en soutien aux victimes d’Orlando, incité les gens à voter “REMAIN” (ça, c’est raté), mais aussi et surtout, commencé à travailler sur leur nouvel album. Dans une newsletter, le groupe annonçait dès 2014 que leur troisième long format – après Coexist (2012) – était déjà en route :

“Jusqu’ici, cette année a été très créative pour nous, on a travaillé dur sur l’écriture et l’enregistrement de nouveaux morceaux, dans différents endroits dans le monde. (…) Tout ce processus est une grande aventure et on a hâte d’être au moment où nous serons capables de partager cette musique avec vous.”

Ce qu’il faut savoir avec les XX, c’est qu’ils ne s’émancipent jamais pleinement les uns des autres. Quand Jamie XX sort en mai 2015 son premier album solo, In Colour, Romy et Oliver Sim font évidemment partie de l’aventure, et posent leurs voix sur plusieurs titres : Loud Places, SeeSaw et Stranger in a room.

Le groupe voulait peut-être laisser à Jamie le temps de prendre son envol, sans ses deux X. Avec ces nouveaux concerts, le trio laisse présager la sortie de leur troisième album pour 2017.

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2003 : les White Stripes s’imposent avec la chanson la plus chantée du siècle

Mais pourquoi ? Pourquoi elle ? Pourquoi cette petite chanson s’est-elle retrouvée entonnée en chœur (viril, le chœur…) par des millions de supporters dans tous les stades du monde, puis chantée dans les cours de récré par des gamins qui n’étaient même pas nés l’année de sa sortie (2003), puis reprise à toutes les sauces (techno, jazz, fanfare, sirène de paquebot…) ? Des chansons de stade, il y en a eu d’autres avant. Des tubes pop mondiaux et des hymnes transgénérationnels, aussi.

Mais le destin de Seven Nation Army est sans doute un cas unique dans l’histoire de la musique pop : une mélodie chantée partout, par tout le monde, sans qu’on n’en connaisse les paroles, ni même souvent le nom du groupe qui l’a composée. Juste cette ligne de guitare qui sonne comme une basse et qui fait poo-po-po-po-po-po-poo. Une suite de sept notes entrée dans la culture populaire mondiale, un truc qui nous colle au cœur et au corps.

“La maison de disques ne voulait même pas sortir ‘Seven Nation Army’ en single” Jack White

Le précédent historique, c’est po-po-po-pom – La Cinquième Symphonie de Beethoven, presque deux siècles plus tôt. “Le destin de Seven Nation Army, une chanson entrée au panthéon de la pop, c’est le rêve de tout compositeur. Elle n’a pas été conçue pour être un tube. Ça paraît dingue avec le recul, mais la maison de disques ne voulait même pas la sortir en single, j’ai dû insister”, nous disait Jack White en 2007.

Seven Nation Army est née à Melbourne, en Australie, en janvier 2002, pendant les balances d’un concert. Jack White trouve un riff sur sa guitare, les quelques personnes qui l’entendent apprécient, et Jack le garde pour plus tard, pour l’enregistrement du quatrième album des White Stripes.

En 2002, les White Stripes ne sont pas encore aussi gros qu’un éléphant, mais ils sont déjà énormes. Leur troisième album, White Blood Cells, sorti l’été précédent, est un assez improbable carton : White Blood… sells à plus d’un million d’exemplaires.

Un style et une vision

Mais pourquoi ? Pourquoi eux ? Pourquoi ce petit duo de Detroit formé une poignée d’années plus tôt est-il devenu le groupe du moment ? D’abord, parce que leurs chansons (celles de White Blood Cells et des deux albums précédents) sont bonnes, diablement malignes, des hymnes pressés qui tirent l’essence du garage-rock, de l’americana, du punk, de la mélodie pop.

Aussi, parce que Jack et Meg White ne se contentent pas de jouer de la musique : ils inventent la légende des White Stripes, ces histoires de frère et sœur ou mari et femme, ils imposent une esthétique, un code couleur, un emballage, un style et une vision.

Archéologie musicale

Groupe intègre, mais pas intégriste, pur et tendre, qui a su séduire au-delà du cercle des amateurs de garage-rock en noir et blanc, Jack et Meg White ressemblent à des enfants sauvages qui jouent la musique de leurs parents, voire de leurs grands-parents, mais avec toujours plus de passion, de fièvre et d’inventivité que de politesse.

Il suffit d’écouter les débuts du rock pour en être convaincu, et les racines du rock (blues, country et folk) pour en faire un dogme : la musique américaine, c’était toujours mieux avant. Grand amateur d’archéologie musicale, Jack White le sait. Son génie est justement d’avoir su faire revenir les grands fantômes du passé dans les disques des White Stripes et dans le rock des années 2000. Faire du neuf avec du vieux, en somme.

“Nous n’avons jamais fait de la musique pour devenir des superstars” Jack White

C’est avec cet album, White Blood Cells, qu’on a découvert les White Stripes, et qu’on a interviewé Jack pour la première fois, en octobre 2001. “On n’a plus envie de faire des interviews, expliquait-il, pourtant prolixe. La presse anglaise s’excite autour de nous, nous n’avons pas compris, nous n’avons rien demandé et nous avons peur qu’on nous oublie au bout de trois mois. Je ne comprends pas notre succès, il nous inquiète parce que nous n’avons jamais fait de la musique pour devenir des superstars.”

On terminait l’entretien en parlant des projets du duo : “On va enregistrer le prochain album à Londres, dans un studio qu’utilise Billy Childish, un petit studio avec du vieux matériel.”

“Assis dans ta petite chambre”

Pour la plupart des groupes, et pour le cliché, le cap difficile est celui du deuxième album. Pas pour les White Stripes, que pas grand monde ne connaissait au moment de leurs deux premiers albums, ces frères jumeaux.

Leur cap difficile est bien celui du quatrième, le successeur du successful White Blood Cells. Toutes choses résumées par avance dans la délicieuse chanson Little Room, qui dit : “Tu es dans ta petite chambre et tu travailles sur un truc bien, mais si c’est vraiment bien tu vas avoir besoin d’une chambre plus grande. Et quand tu seras dans la chambre plus grande, tu pourrais ne plus savoir que faire, tu pourrais avoir à te souvenir de comment tu avais commencé, assis dans ta petite chambre.”

“Un disque de rock’n’roll intense”

Le 24 avril 2002, Jack et Meg se réfugient donc dans une nouvelle petite chambre : le studio Toe Rag, sis à Londres dans le quartier d’Hackney. Ce sanctuaire de la prise de son analogique et vintage a été créé dix ans plus tôt par Liam Watson.

Il est réputé pour avoir banni de son studio tout équipement postérieur à 1963. “Nous voulions un studio où il n’y ait absolument aucun équipement digital, aucun Pro Tools, pas d’ordinateur. On s’est retrouvés face à tant de limitations techniques dans ce studio que ça nous a sauvés de la mauvaise influence qu’aurait pu avoir le succès sur notre musique. On s’est forcés à être encore plus honnêtes qu’avant. L’atmosphère du studio correspondait à ce qu’on espérait faire : un disque de rock’n’roll intense”, nous expliquait Jack en 2003.

Enregistré en dix jours

Toe Rag est l’antre du garage-rock anglais, incarné par l’excentrique, hyperactif et so british dandy punk Billy Childish, dont Jack White est fan. C’est à une copine de Billy Childish, la chanteuse Holly Golightly, que l’on doit le rapprochement entre les White Stripes et Toe Rag. Pour la peine, elle sera invitée à chanter le vaudevillesque Well It’s True That We Love One Another, la première chanson enregistrée pendant la session, et la dernière d’Elephant, en trio avec Jack et Meg.

Un invité chez les White Stripes : c’est la première nouveauté de ce disque. L’autre, c’est que la batteuse Meg chante une chanson toute seule, In the Cold, Cold Night. La troisième, c’est que Jack joue des solos de guitare (ils éclaboussent Ball and Biscuit) et aussi beaucoup de claviers – il a composé la plupart des chansons au piano. L’album est enregistré en dix jours – soit une semaine de plus que les albums précédents.

Bac à sable

Elephant est bien le chef-d’œuvre des White Stripes : un album à la fois varié et cohérent, épique et intimiste, rageur, émotionnel et intelligent, qui aligne comptines enfantines, ballades folk et chansons de terre brûlée.

Un lyrisme inédit, un romantisme noir, éclos chez les White Stripes – on croit parfois entendre des chansons des Beatles, de Led Zep ou de Queen (There’s no Home for You Here) mais jouées à deux, dans un bac à sable désormais trop petit, pour des enfants en pleine croissance.

Meg essuie une larme

Intense, Elephant l’est assurément. Et aussi très sombre. L’album est dédié à “the death of the sweetheart”, qu’on pourrait traduire par “la fin de la romance” si ces quelques mots n’étaient mille fois plus beaux en anglais.

L’énigmatique pochette illustre la dédicace : du côté sombre, en robe blanche spectrale, Meg essuie une larme, alors que Jack regarde vers la lumière, indifférent au chagrin de sa batteuse. En arrière-plan, un crâne suggère une vanité, à la sauce country. Les White Stripes vont se séparer officiellement en 2011, mais officieusement en 2007, après un dernier album et une dernière tournée.

Reflet d’une ville de décombres

Dix ans d’existence, durée idéale, dont le point culminant est Elephant. C’est donc un album de crise, de colère, d’anxiété. “L’album de la maturité” comme une mue, une catharsis, voire un exorcisme. Peut-être aussi le reflet d’une ville de décombres, Detroit, que Jack White allait quitter trois ans plus tard pour s’installer à Nashville, fonder le label QG Third Man Records, multiplier les projets et devenir une sorte de gentleman néo-sudiste.

“Les journalistes qui n’ont pas de platine vinyle ne devraient pas écrire sur les White Stripes” Jack White

Elephant sort début avril 2003. Bien avant “le retour du vinyle”, bien avant Third Man Records, bien avant Lazaretto, son deuxième album solo de 2014 dont la version vinyle a explosé des records de vente vieux de vingt ans, bien avant d’ouvrir une usine de pressage de vinyles à Detroit (fin 2015), Jack White avait imposé que les exemplaires promo d’Elephant envoyés aux journalistes existent uniquement au format 33t. Ethique et esthétique : “Les journalistes qui n’ont pas de platine vinyle ne devraient pas écrire sur les White Stripes… Ça rend le disque plus important : il faut se lever, changer de face, on ne peut pas écouter ce disque tout en discutant au téléphone. Un vinyle, c’est comme jouer dans un petit club quand les portes sont fermées et la lumière éteinte, plutôt que l’après-midi dans un festival en plein air.”

Réécouter Elephant aujourd’hui (dans sa version double vinyle promo, forcément), douze ans après sa sortie, c’est d’abord redécouvrir qu’il est toujours aussi urgent, grimaçant et congestionné, sans avoir pris une ride. Et aussi, qu’il fait partie du club très sélect des albums qui nous intiment de monter le volume, toujours plus fort. 

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Dynamo de Banlieues Bleues : dix ans et un tout nouveau festival

Dynamo de Banlieues Bleues : dix ans et un tout nouveau festivalEn 2006, Banlieues Bleues, festival de jazz en Seine-Saint-Denis, investissait une ancienne manufacture de Pantin rebaptisée Dynamo. Dix ans plus tard, le festival y lance une nouvelle manifestation, le Dynamo Fest, du 30 septembre au 2 octobre. Xavier Lemettre, directeur de Banlieues Bleues et de la Dynamo, nous raconte cette aventure et la nouvelle scène du jazz auquel ce festival est dédié.

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Iggy Pop écoute Young Thug et The Black Madonna

Invité lundi soir de la troisième journée des Red Bull Music Academy à Montréal, Iggy s’est épanché sur ses goûts en matière de musique. Et c’est ainsi que l’on apprend au fil d’une longue conférence que l’Iguane n’est pas du tout “branché EDM“, mais qu’il se tourne davantage vers des artistes comme The Black Madonna ou encore Young Thug, ses coups de coeur du moment. A presque 70 ans, Iggy Pop n’en finit pas de nous surprendre.

Alors que L’Etoile Du Jour, long métrage dans lequel il figure, vient tout juste de sortir, Iggy Pop a également annoncé la sortie imminente de Total Chaos: The Story of the Stooges as told by Iggy Pop, une autobiographie prévue pour l’hiver prochain. Une poignée d’actualités diverses et variées pour une icône rock qui ne semble pas prête de s’arrêter.

Les Inrocks - Musique

“J’essaie de faire comme les Clash” : entre rock, rap et politique Vic Mensa relève tous les défis

© Instagram Vic Mensa

Il s’en est passé des choses depuis 2014 sur la planète Vic Mensa. À l’époque, le rappeur venait tout juste de sortir Down On My Luck, un titre joyeux en hommage à la culture house de Chicago, s’affichait parmi les Freshman du magazine américain XXL, et assurait discrètement la première partie du déjanté Danny Brown.

Aujourd’hui, à seulement 23 ans, il est signé sur le label Roc Nation de Jay Z, dont il avait l’habitude d’écouter les albums en boucle au collège, opère la première partie de son comparse Justin Bieber, et s’acoquine avec les noms les plus convoités de l’industrie musicale américaine : Skrillex, Kaytranada, mais aussi et surtout Kanye West, avec lequel il a déjà dévoilé deux morceaux (Wolves et U Mad). Cerise sur le gâteau : Vic Mensa était cette année en studio avec Gorillaz, dont le cinquième album est actuellement l’un des plus attendus.

“J’essaie de faire comme les Clash”

Outre la musique, le garçon a un pied bien ancré dans la mode, un univers qui le passionne. “La mode est à mon sens le premier niveau de communication et d’expression individuelle”, nous confie-t-il, orné d’une imposante chaîne en or et coiffé de ses superbes dreadlocks. “Donc j’utilise aussi mon style pour m’exprimer, de la même façon que j’utilise la musique.” Remarquant son goût prononcé pour les vêtements, le designer Alexander Wang l’a d’ailleurs intégré au casting de sa récente campagne WANGSQUAD, aux côtés d’autres artistes dont Travi$ Scott, Tinashe ou Metro Boomin.

S’il est prisé par la sphère de la haute couture, Vic Mensa puise aussi son inspiration dans le punk, le rock et le skate, des cultures qui ont bercé son adolescence. Car avant de devenir rappeur, l’artiste était à la tête de Kids These Days, une formation aux sonorités hip-hop et rock, avec laquelle il avait notamment samplé Where is My Mind des Pixies. Pas étonnant donc, que le jeune homme cite Joe Strummer et Mick Jones, les iconiques leaders du groupe The Clash, comme deux de ses principales sources d’inspiration :

“Les Clash constituent pour moi le meilleur groupe de tous les temps. Non seulement parce que leur musique a été importante, mais aussi parce qu’ils avaient un style de fou ! Ce sont, au même titre que David Bowie, des artistes qui ont sans cesse repoussé les limites, et qui ont eu un véritable impact sur la société. Donc j’essaie de faire comme les Clash, j’essaie de créer de la musique qui compte.”

Un engagement politique naissant

Et effectivement, de plus en plus fréquemment, Vic Mensa utilise sa voix et ses textes comme une arme politique. Sur son EP There’s Alot Going On, sorti en juin dernier, il dévoile un propos plus engagé que jamais, en pointant notamment du doigt la crise sanitaire de Flint (Shades of Blue) et la mort de Laquan McDonald (16 Shots), contre laquelle il n’avait pas hésité à descendre dans la rue en 2015.

Autre preuve de cet engagement naissant : le rappeur s’est récemment fendu d’une série de tweets pour dénoncer la sur-incarcération des Afro-américains, injuste selon lui, avant de s’en prendre aux incessantes brutalités policières dans le cadre du programme Why I Vote, organisé par Vevo à quelques semaines de l’élection présidentielle américaine.

Des commentaires politico-sociaux de plus en plus forts et de plus en plus nombreux, que l’on retrouvera inévitablement sur son premier album Traffic, qui devrait prochainement voir le jour. “Je crois que j’ai acquis une grande responsabilité, non seulement vis-à-vis de moi-même, mais aussi vis-à-vis des gens à Chicago”, conclut le garçon. “J’ai des choses à dire, et il faut que je les fasse entendre.” Tout comme ses idoles, Jay Z ou Joe Strummer avant lui.

A photo posted by Vic Mensa (@vicmensa) on Aug 3, 2016 at 10:25am PDT

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"This Is Acting" : Sia annonce une réédition de son dernier album pour le 21 octobre

"This Is Acting" : Sia annonce une réédition de son dernier album pour le 21 octobreBonne nouvelle ! Après nous avoir fait danser tout l'été avec "Cheap Thrills", Sia annonce une réédition de son dernier album "This Is Acting". Disponible le 21 octobre, il contiendra le single "The Greatest" et plusieurs inédits.

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Le retour discographique des Pixies avec "Head Carrier"De retour au grand complet, les Pixies sortent vendredi un nouvel album, "Head Carrier", agrémenté d'une tournée qui passera par le Zénith de Paris le 23 novembre.

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Renaud entame samedi une tournée marathonSamedi soir à Évry, en Essonne, Renaud le "Phénix" donnera le coup d'envoi d'une tournée marathon très attendue par ses fans qui n'ont plus eu l'occasion de l'applaudir en concert depuis bientôt dix ans.

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Rihanna électrise la Fashion WeekRihanna reçoit en musique de chambre et en nuisette. Enfin… ses mannequins. La chanteuse R'n'B la plus sulfureuse de la planète avait revêtu ses habits de créatrice de mode dans le très chic…

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Septembre 2016
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